在视觉泛滥与表达过度的当下，如何让一幅画重新被“感知”？中国当代著名艺术家吴轲阳以“东方灵画”为理念，将笔触化作气息，将画面化为心境，在贝利尼宫营造出一场超越形象、直抵感知的艺术对话。在这里，绘画不仅是可见之物，更是一种“在场”的精神体验。

开幕现场：静谧中释放气场

7月10日晚，佛罗伦萨贝利尼宫内灯光温润，气息沉静。一场命名为“形外之境”的中国当代艺术展在此悄然拉开帷幕。此次展览由赫斯提亚画廊、东方灵画艺术中心与贝利尼博物馆联合主办。开幕现场，高规格嘉宾云集：托斯卡纳银行基金会主席亚力山大·普齐（Alessandro Pucci）、乌菲齐美术馆外联负责人 克里斯蒂·斯帕多（Cristi Spadoni）、佛罗伦萨美院雕塑系教授里科·菲拉尼尼（Rico Firanini）等出席，共襄盛会。来自全球艺术界的策展人、收藏家、评论家与观众，共同见证了画家吴轲阳以“东方灵画”为理念的第三场欧洲个展。没有开场致辞的排比宣讲，也没有喧哗的剪彩仪式，整个开幕现场被有意降低至几近沉默的状态，只留下观众与作品之间彼此“在场”的气息流动。

从左至右依次为：知名艺术家赫克托-安赫克托（Hector-And Hector）、圣马力诺共和国文化顾问斯特法诺·比加利（Stefano Bigalli）、  赫斯提亚画廊创始人安德烈亚·贝特罗（Andrea Betro）、中国当代著名画家吴轲阳、中方策展人吴昌孛和托斯卡纳银行基金会主席亚力山大·普齐（Alessandro Pucci）

赫斯提亚画廊创始人安德烈亚·贝特罗（Andrea Betro）率先致辞。他回忆起初见吴轲阳作品时的感受：“他的视觉语言既内敛又具有穿透力，充满张力又极具独立性……他让东西方之间的差异不再是隔阂，而成为艺术能量的源泉。”在他看来，这场展览之所以珍贵，不仅因其落地佛罗伦萨这样一座饱含艺术积淀的城市，更因为它跨越文化与认知的边界，在当代艺术中为“独创性”留出了清晰的位置。

赫斯提亚画廊创始人安德烈亚·贝特罗（Andrea Betro）（左）

圣马力诺共和国文化顾问斯特法诺·比加利（Stefano Bigalli）则从文艺复兴的维度，追问艺术的持久力量。他说：“吴轲阳的画不是描摹现实，而是对梦的再造。”在他眼中，这些作品中融合了结构与直觉、控制与失控，是当代艺术家对“可见”与“不可见”关系的重新思考，与达·芬奇所追求的“观察、质疑、重构”的精神路径不谋而合。他相信，即使达·芬奇身处今日，也会从这些画中辨识出“真正创造者”的印记。

知名艺术家赫克托-安赫克托（Hector-And Hector）则强调了文化穿越的重要性。他表示，自己并不熟悉吴轲阳所来自的视觉系统，但正因如此，作品中那种来自东方语境的“节奏感与深度”更让他感到震撼：“吴轲阳的画不是将地域性带入画面，而是在时间中旅行。他画中有历史的沉积，也有对未来的想象力。”他特别指出，这样的文化之旅并非是地理的抵达，而是一种主动的靠近，是在不同文化之间建起理解的桥梁。

托斯卡纳银行基金会主席亚力山大·普齐（Alessandro Pucci）则以“思想旅行”形容吴轲阳的艺术路径。他强调，吴的作品没有地理边界，只有精神空间，是一条穿越语言、历史与文明的通道。“在佛罗伦萨，我们不仅欣赏形式之美，更追求思想的厚度。今天的展览，不仅是一次视觉的展开，更是一段关于世界与自我关系的沉思。”

中方策展人吴昌孛则从吴轲阳的生命经历出发，回顾了这位来自中国闽南、毕业于厦门大学艺术学院的画家，在职业与身体双重暂停之后，踏上一段孤独而深刻的精神苦旅。他远离职场，走访山川，研习哲学，穿梭于世界博物馆与宗教圣殿之间，只为寻找关于“人生真谛”的回答。正因此，他的每一幅画都带有生命的痕迹——既是他个人修行的结晶，也是与世界深沉对话的片刻。

这场开幕式，不是一种形式的启动，而更像是一场由艺术引发的共识显现。观众在缓步穿行于展厅之中，沉浸于色层与留白构建的气息之间，仿佛被悄然引导进入一处“静”的内核，继而步入“境”的敞开。无声中，人与作品之间悄然生成某种呼应。

吴轲阳的画布不是高声宣言的广场，而是低语者的庙堂。在此处，观者无需言语，只需呼吸即可。在这个光影沉静、语调克制的空间中，艺术超越了文化表征，成为时间与感知之间一种缓慢但不可逆转的穿越。而这，正是“东方灵画”的真正开始。

“静”与“境”：灵画的心场构建

在“东方灵画”中，吴轲阳非在构造图式，而是在呈现一种“在场的感知”。笔触如气流游走、层色若星系扩散，每一笔、每一色都“尚在流动”，观者被邀请进入这一动态的“在场”。面对画作，观者不再是冷静的观察者，而是在“静”与“境”的交错中，触及心灵的脉动。吴轲阳并不追求一种形似之作，而是在意“气息”、“呼吸”的瞬间，将绘画从“看”带向“感”，直抵心灵深处的“静”与“境”。

在他的作品中，这种“静”并非绝对的无声，而是画布上的“气息暂停”，也是一种对内在场域的凝摄——一种深度内省的入口，让观者回归最初的觉知，而非仅止于图像凝视。这是一种“反思性冥想”与“接受性冥想”的融合，让画面成为一种“在场体”。他的笔触、涂层与留白之间，宛如禅定中的“无念却有感”，又正如道家“动静等观”，在深邃的油彩中给画布以呼吸，使其静谧而饱满。这种暂停的气息构建了一个“在场体”，让作品从被观看转向一种直接的感知体验。

继而，“境”在这份“静”中悄然生成。它非外在的“景”，而是由画所触发的心灵共振场。观者在此不再是旁观者，而成参与者，进入时间与空间折叠扭曲的“永恒当下”，视觉转化为氛围与精神的全息体验。螺旋状笔触如同宇宙路径，交织成“时间路径”与“空间路径”的合一——过去、现在、未来在此重叠，这即是一种“在场的流动”。观者在面对画作时，既是凝视者，也是参与者，他们在寂静中与画中能量共鸣，踏入“心·气·境”的冥思之旅。

（开幕式现场驻足的欧洲来宾）

贯穿这一“静—境”循环的是东方哲学的深度：他融老庄“道法自然”、禅宗“静观内省”、王阳明“格物致知”等智慧于绘画之中。作品宛如“宇宙切面”，借西方油画技法将东方“内观”精神转译为无需文字的感知语言，引导观者成为“感应宇宙细微波动的容器”。在这里，安静不是消逝，而是开启深度感知。

当油彩与东方哲学交织，他的画已不只是图像，而成为“通向另一个维度的门扉”。在此，时间、空间与意识融为一体——观者不再只是观看者，而是参与者，被邀请进入一段由“静”与“境”构成的共鸣旅程。正如此次策展人吴昌孛所指出：“他的画不是‘画出来的’，而是在‘静默中被显现’的感知事件，是灵与灵之间、空与空之间无需言语的共鸣。”

来时之路：灵画背后的艺术涅槃

在“静·境”的深度共鸣之间，吴轲阳的艺术并非一蹴而就，而是源自一段从具象到无相的精神涅槃。三次切身体验生死的涟漪，则是成为他绘画语言进化的催化剂。

他的艺术之路始于精准的具象观察：早期以“雕铸”风格描摹人物与自然，辅以严谨笔触与结构，奠定他对视觉经验的控制力。具象时期，他将对物的敬意化为技法，令观者仿佛触摸画中生命的纹理。

当技艺成熟，吴轲阳自觉突破视觉惯性，进入破相阶段。他突破二维平面展演，尝试二维半风格与混合技法，让画面在解构与重构间自生秩序。他有意摧毁具象结构，借鉴中国画中似有似无、似相非相的意境，对西方油画中的造型法则做出新的诠释。这不仅是形式上的转向，更是一场自我的解构与重塑，他仿佛将生命的结构拆解，又用艺术碎片重新编织生命本源。这一阶段，他的作品由“看见”转向“被感知”，为接下来的无相超越奠定了基础。

真正的灵魂跃迁发生在无相的超意象阶段。他以粗犷而具节奏的笔触，创作出如《灵境》《意识》《超意象》等系列，放弃具象轮廓，转向对宇宙能量与生命本源的深切感知。在此，笔触、涂层与留白交织，使画布成为宛若宇宙切面的心灵场域。所绘的也不再是物体，而是呼吸、涌动、气息——让画布成为一片可以屏息的“宇宙切面”。与此同时，他还融入甲骨文、金字塔铭文等古文明符号，跨越千年的智慧对话，唤醒对生命震颤的深层感悟。量感笔触与微妙留白交织，暗含生命源头的秘密，这正是吴轲阳艺术精神追索的核心。

三场“濒死体验”则成为写意之旅中的灵光一闪。那种“此刻即是永恒”的澎湃觉知，让他的画笔掌握了光寿的永恒感。面对生命边缘，他从“此时此刻”中捕捉到存在的饱和感，并将这份体验幻化为永恒。在他看来，经历生死后，每个当下都成为最后一刻，画笔下的瞬间便获得了如恒星般的闪烁光芒。此后，他的作品不再拘泥于视觉形态，而启向一种无线的精神维度：不只是“看见”，而是“被见”的体验。

这三次关键蜕变——具象、破相、无相，构成了他艺术家的生命盘旋。每一次突破不止是技术与精神的共同跃迁，还更是对生命、宇宙与自我的层层回望。而这也让“东方灵画”不仅是画风的成熟，更是精神的觉醒。

如今再看佛罗伦萨展厅里那一幅幅“在场的宇宙”，不难体会这段涅槃之路的厚重。它们无需文字，也不必解释，却在静默中完成自我与观者、东方与西方、更广阔宇宙之间的共振。

这正是吴轲阳“来时的路”：从视觉的物象走向心灵的空灵，从技巧的精细走向精神的解放，从时间的有限走向永恒的当下。他让艺术不再只是被观看的景物，而成为一种敏感的直觉召唤——在静默中，我们共同成为这份“在场感知”的容器，走出具象回首初心，以无相迎接深度灵觉。

三年三城：东方话语的欧洲回响

2023年威尼斯比萨尼宫、2024年米兰加里波第画廊，如今佛罗伦萨，形成一条意大利“三城对话”路线。每一次落地都不是孤立事件，而是“东方灵画”与西方美学共振的发声。威尼斯首展，布置27幅油画与89幅素描，引发欧洲学者深评“感知宇宙律动”；米兰展上，他整合从文艺复兴到现代立体主义等多种西方传统，创造出兼具东方气韵与西方技法的绘画空间。连续三年，先后登陆威尼斯、米兰，再到佛罗伦萨，这一串时间线不仅记录了吴轲阳个展的持续推进，也见证了“东方灵画”在欧洲语境中的回响。

如今在佛罗伦萨这座文艺复兴发源地，他用“无形之境”重新演绎艺术本质，也象征着东方文化在核心艺术语境中的“返场”。这一系列展览对欧洲观众而言，是一次从陌生到熟悉——他们在路径与节奏的引导中，感知到东方对“生命”、“时间”和“宇宙”的哲思共鸣。而他的作品，对欧洲观众而言，同样既陌生又熟悉：陌生的是“无对象的内在共振”，熟悉的是对人类生命与宇宙关系的深邃思辨。正因如此，他的展览成了一场“东西对话”的发生器：没有语言隔阂，跨越文化边界；没有图式先入，直抵感受本质。

与此同时，值得关注的是，开幕现场洋溢着肯定与共鸣：来自世界各地的嘉宾频频驻足于油画与素描前，赞叹作品所蕴含的精神张力，在现场表达出了强烈的收藏意愿。引人瞩目的是，本次展览几件作品当夜即被经典收藏机构收入囊中。拥有近三百年古董传承的贝利尼家族私人收藏机构，当场决定收藏吴轲阳的素描作品。赫斯提亚画廊代表亦当场表示，计划侧重支持吴轲阳长期创作，将系列作品收录其欧洲馆藏。这种一纸收藏，无疑为“东方灵画”的市场价值与文化高度提供强有力背书，也让展厅从视觉体验迅速跃升为话语核心。

（贝利尼家族继承人Sveva Bellini现场收藏吴轲阳素描作品）

在这有限的时间与空间里，艺术以无声之力完成了观者、作品、市场与文化之间的整合：它不是被“逗留”的图像，而是引人深思、启发共鸣，并迅速具备时代意义与收藏价值的当代智慧载体。

放眼当代中国艺术界，他的成功敲开了又一扇门——不是形式仿西，而是以东方哲思为核心，用世界认可的视觉语言回应全球精神难题。从意大利三大艺术圣地连续落地，吴轲阳与“东方灵画”其实也让“东方话语”找到了活水：在全球艺术地图上，他架构了一条从南中国走向欧洲文化中心的心灵桥梁，这正是他三年欧洲行最深的意义。吴轲阳并非模仿西方，而是以东方思维为根，用世界兼容的视觉语言回应当代精神困境。这三年，他的作品和展览路线也成为中国艺术“文化自信”与“国际表达”并进的示例——用“灵画”的方式，让世界聆听东方心跳。

结语：让灵画成为文化呼吸的桥梁

吴轲阳这次佛罗伦萨个展，是一次“视觉的冥想”和“文化的隐语对话”。观众无需破译术语，只要静下心来，就能被画中气息牵引，进入那无声却真实的灵场。这不仅是一次画展，更是一段从“静”向“境”、从个体精神向文化对话的开启。三年间，他的“东方灵画”在欧洲扎根开花，从表象转向精神——以“静”，观世界；以“境”，识自身；以“桥”，通文化。他正以画笔和心念，穿过时间的迷雾，把东方的冥思，融入世界的视觉语境，为中西艺术交流架起一座跨时代、跨文化的心灵桥梁。